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Terashima sur site NEW

Hiroki TERASHIMA , guitariste, luthiste, compositeur a étudié la guitare classique au Japon avec le maître Yasumasa Obara à Tokyo,  en Espagne avec José Tomàs au conservatoire supérieur Oscar Esplà à Alicante et en France avec Alberto Ponce à l’école normale de musique de Paris.

Il a étudié  la musique ancienne, le luth et la flûte à bec  à l’école nationale de musique  de Pantin avec Guy Robert et Katia Caré.

Portant aussi un grand intérêt à l’univers sonore  des sons synthétiques il enregistre un CD en 2008 « les mondes oubliés », essentiellement  avec la guitare synthé.

Il a reçu le grand prix de composition pour guitare du  First International Internet Competition « Guitar Renaissance » de Kazan en Russie en 2015 avec la pièce Natsumatsuri dédiée à Ahmet Kanneci.

L’ensemble Not’Zitines lui a consacré en 2015 un album intitulé « Au fil du temps ».

Il est professeur au conservatoire de Boissy sous Saint –Yon et à l’école de musique de Bruyères le Châtel.

Therond sur site NEW

Jacky THEROND est médaillé à l’ENM de Fresnes, il a étudié la clarinette auprès de Robert COSTARINI, Guy DANGAIN, Guy DEPLUS et Pierre-François BOET.

L’étude de l’harmonie, du contrepoint, de l’analyse et de l’orchestration auprès de Désiré DONDEYNE lui a permis d’obtenir le Diplôme d’Aptitude à la Direction des Sociétés Musicales, organisé par la Confédération Musicale de France. C’est tout naturellement qu’il s’est tourné vers la direction de l’orchestre d’harmonie de Vincennes (1993 à 2002), et, de l’orchestre d’harmonie de la société musicale de Saint-Rémy-lès-Chevreuse (2002 à 2008). Il est actuellement en charge de la direction de la classe d’orchestre d’harmonie au conservatoire de Vanves (92).

Titulaire du D.E. de professeur de clarinette, il enseigne cette discipline au conservatoire de Maisons-Alfort (94).

Sa discographie comporte une dizaine de CD pour orchestre d’harmonie essentiellement, mais aussi de variété (Jacques Favard).

Sa carrière de musicien l’a amené sur différents plateaux de télévision : Pascal Sevran, Jean-Pierre Foucault, mais aussi à Bercy, de nombreux théâtres parisiens, le Stade de France, le Parc des Princes, différentes salles de concert tant en France qu’à l’étranger.

Membre de la SACEM, il a été plusieurs fois, pour la C.M.F., membre de la commission des choix de morceaux d’examens ainsi que jury du concours d’excellence.

 

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Copiste d’instinct depuis l’adolescence (ou mieux « dessinateur de musique »comme se définit lui-même Daniel Thiercelin), Il étudie l’Harmonie et passe quelques années dans une Musique Militaire sur Paris comme clarinettiste.
Son métier de copiste reprend ensuite avec « Le docteur miracle » de Georges BIZET ainsi que « Madame Bovary » de Emmanuel BONDEVILLE…Mais également les premières chansons de Jacques BREL, des compositions de Francis LOPEZ pour le Châtelet…Etc…
Jusqu’à son dernier travail : « La Celestine » de Maurice OHANA. Sensible au saxophone et inconditionnel de la musique de la famille STRAUSS , il entreprend la transcription de nombreuses pièces de ces compositeurs pour quatuor de saxophones.

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Jean-Louis Thomas (cliquez sur la photo pour visualiser l’intégralité de ses pièces au catalogue)

« J’ai toujours eu comme fil conducteur de créer des passerelles entre les genres afin de toucher les sensibilités les plus variées. »

Né le 22 juillet 1972, Jean-Louis Thomas fait ses premières armes en composition lors de la création de son Opéra Rock « LA TRAVERSEE » en 1999.

Après un détour dans le jazz, puis dans la musique vocale contemporaine avec sa participation aux projets de MIKROKOSMOS, son répertoire de pièces pour piano seul est un retour aux sources.
Qualifiant lui même ses créations de « neo-romantiques » son inspiration est également nourrie de sa passion pour le 7ème art.

http://www.jeanlouisthomas.org/

 

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Après son apprentissage du saxophone au Conservatoire de Clamart, Pascal THOUVENIN se perfectionne au CIM (Centre d’Information Musicale) et à l’American School of Modern Music de Paris dans les domaine du Jazz (harmonie, improvisation).
Il a enseigné à l’Académie de Musique de Louveciennes, à l’Ecla de Saint Cloud, au Conservatoire de Musique de Montlhéry ainsi qu’au Centre Culturel de Courbevoie. Saxophoniste et arrangeur, Pascal Thouvenin se spécialise également dans le relevé et l’adaptation de musique enregistrée (6 comédies musicales, plus de 80 titres pour grande formation de Jazz…).
Lead saxophone alto dans différentes formations (« Big-Band Connexion », « Les années swing » et « Sax Paris Jazz ») il se produit dans de nombreux festivals de Jazz en France.

TOMASI sur site

François TOMASI, né en 1943, commence sa vie musicale dès l’âge de 4 ans en étudiant le piano pendant plus de onze années avec Jean HEISSER .
Adolescent il découvre la guitare grâce aux enregistrements d’Andres SEGOVIA. Il aborde alors l’étude de cet instrument en autodidacte à l’âge de 17 ans à Paris où il fréquente le milieu artistique Montmartrois.
Il a 19 ans lorsqu’il arrive à Marseille. C’est là  que le Duo PRESTI-LAGOYA l’encourage à poursuivre ses études avec René BARTOLI.
En septembre 1966 il entre au CNR de Marseille et obtient son premier prix à l’unanimité en juin 1967 (signe particulier: guitariste gaucher). Son souci de perfectionnement dans l’étude de son instrument le pousse à rechercher les conseils de maîtres de la guitare tels : Antonio PEREIRA-ARIAS(de 1978 à 1988)  et Louis DAVALLE  (de 1980 à 1988). C’est avec ce dernier qu’il assure sa technique et développe le sens de la rigueur dans la méthode de travail.

Passionné de pédagogie ,François TOMASI fonde l’Académie de guitare de Marseille (1974-1984) où il forme de nombreux élèves tels R.COINEL, J.F LALANNE. Il y est assisté par C.DJAOUI (jazz), Juan CARMONA (flamenco), L.BATTAGLIA (guitare classique), J.RIBO (luth) etc…
Membre de la SACEM,il est aussi  l’auteur de plusieurs ouvrages pédagogiques pour guitare .
Titulaire du D.E ,il a enseigné aux conservatoires de musique de  Hyères (1984-1998) et Marignane ( 1993 à 2011). Actuellement il enseigne à l’Académie de Musique de Saint Victoret.

Dès 1967 , François TOMASI se produit régulièrement en concert en soliste , parfois avec orchestre (orchestre de chambre national de Toulouse, orchestre de chambre de Marseille, orchestre philharmonique de Hyères..).
Il affectionne particulièrement la musique de chambre (duo de guitares,  duo avec violon et avec quatuor à cordes). Depuis plus de 30 ans, il joue en duo avec son épouse Béatrice TOMASI (flûtiste). Il a également composé de nombreuses pièces pour cette formation.

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Aurélie Tomezzoli a étudié l’écriture et l’analyse au conservatoire de Lyon Fourvière avec Denis Magnon, Georges Aloy, Daniel Gaudet puis Gilles Schuehmacher et Jean-Philippe Guye (DEM).
Elle a également étudié l’histoire de la musique et la composition, respectivement  auprès de Jérôme Dorival et Philippe Barraud et publié des articles musicologiques (notamment dans la revue Analyse Musicale).

Accordéoniste de formation, elle s’intéresse aussi bien à la musique populaire qu’à la musique « savante » de toutes époques. Autant de couleurs et d’ambiances qui enrichissent sa « palette » de compositrice, au gré des envies.

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Après des études en violon, chant et analyse, Sara TSALKADIOTIS s’oriente vers la musicothérapie pour une approche différente de la pédagogie musicale et obtient son diplôme avec mention à la Schola Cantorum.
Elle est professeur de formation musicale aux Conservatoires de Musique et de Danse de Beynes et de Jouars-Pontchartrain.

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Tom Turpin naît à Savannah (Géorgie) le 18 novembre 1871, fils de John L. Turpin et Lulu Waters Turpin. Aux environs de 20 ans, il ouvre un saloon à Saint Louis (Missouri) qui devient un point de rendez-vous pour les pianistes du coin et de ce fait un endroit d’incubation du ragtime naissant. Turpin lui-même a à son crédit le premier rag publié par un métis afro-américain, son « Harlem rag » de 1897. Les autres rags qu’il a publié sont « Bowery buck« , « Pan-Am Rag« , « Ragtime Nightmare« , « St. Louis Rag » et « The Buffalo Rag« .

Turpin était un homme imposant: 1,83 m pour 136 kg. Son piano devait être surélevé afin qu’il puisse jouer debout : assis, son estomac aurait gêné.
Outre la gérance de son saloon et la composition de ragtime, il contrôle (avec son frère Charles) un théâtre, des salles de jeux, des salles de danse et des salles de sport. Il a été deputy constable et était l’un des premiers Afro-américains ayant une influence politique à Saint Louis.
Son influence sur la musique locale lui ont valu le titre de « père du Ragtime de St Louis ». Il mourut le 13 août 1922 à Saint-Louis, à l’âge de 50 ans.

Nicola_Vaccai

Nicola Vaccai (ou Vaccaj), né à Tolentino le et mort à Pesaro le , est un musicien italien surtout connu comme professeur de chant. Il a composé également des opéras (17), des œuvres pour l’église, des cantates, des duos, des airs, des romances et 4 ballets.

Attaché à perfectionner l’enseignement du bel canto dans tous ses aspects et dans toute la complexité qu’il avait pris au début du XIXe siècle, il enseigna à Venise, Trieste, Parme, Paris et Milan.

Après trois ans passés à Paris, il publia à Londres, en 1833, Il Metodo pratico di canto italiano per camera : « Méthode pratique de chant italien pour la chambre » (par opposition à la scène), comportant quinze leçons explorant systématiquement les difficultés du « chant orné » italien. Les leçons comportent de courtes pièces permettant à l’élève de travailler systématiquement chacune de ces difficultés. Il existe de multiples transpositions de ces pièces s’adaptant à la tessiture de chaque élève. On trouve ainsi des versions « pour soprano ou ténor », pour « mezzo soprano ou baryton », « pour basse », etc.

La « Méthode » demeure très utilisée des élèves chanteurs.
Elle comporte, parmi d’autres choses bien connues, une mélodie (Manca solecita) qui a acquis quelque notoriété auprès des élèves et des professeurs des classes de chant des conservatoires, ainsi que dans les cours de chant privés.

Source : Wikipedia

Anonyme

Arturo Vanbianchi (Milà, 1862 – 1942) fou un compositor italià.

Estudià amb Panzini, Ponchielli i Dominiceti, en el Conservatori de la seva ciutat natal. Des de 1883 fins al 1887 exercí el professorat en l’Instituto Musicale de Bèrgam, i després de la mort de Ponchielli, a Santa Maria Maggiore, des de 1890 fins al 1895 en el Liceo Musicale de Pesaro, que dirigí en morir Pedrotti. També va dirigir el Reale Conservatorio de Parma.

Com a compositor la seva molt estimable obra inclou:

  • els poemes simfònics L’evocazione i Cavaliere Olaf,
  • un preludi simfònic,
  • una Missa solemne,
  • un quartet de corda,
  • les òperes In alto mare, premiada en el concurs Sonzogno de 1890, Carmela i La nave, estrenada a Gènova el 1899.

    Source : Wikipedia

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César VELEV est né en Bulgarie au sein d’une famille de mélomanes.Il commence ses études musicales à 6 ans sous la direction de Peter STANCHEV.A 17 ans, il est admis au Conservatoire Supérieur de Musique de Sofia.
Elève de G.BADEV et D.SCHNEYDERMANN (disciple de David OISTRACH), il en sort 4 ans plus tard avec un 1er Prix de violon et de Musique de Chambre. En France, César VELEV est violoniste à l’Opéra du Nord, à l’Orchestre National de Lille, 1er violon solo de l’Orchestre Symphonique de Champagne (Troyes), à l’Orchestre National d’Ile-de-France, à l’Orchestre National et Philharmonique de Radio-France.

Egalement professeur de violon à l’American School de Paris et au Conservatoire National d’Issy-les-Moulineaux, César VELEV s’attache à faire fructifier le sol musical de sa patrie d’adoption et mène une intense activité pédagogique. Avec Raul MALDONADO (guitariste, Grand Prix de la Fondation de France), il a enregistré « Les sérénades italiennes ».

Il vient également d’enregistrer « Méditation » (violon et harpe) avec Marion FROMENTEIL (harpiste, lauréate du Concours International de Harpe M.A CAZALA).

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Antonio Veracini (1659-1745) est un violoniste et compositeur italien de la période baroque.

Verdelot

Philippe Verdelot, parfois appelé Verdelotto en Italie, est un compositeur français de la Renaissance, né entre 1480 et 1485 aux Loges, près de Rebais1, et décédé entre 1530 et 1552.

Né près de Rebais, il passe une partie de son enfance dans le Comtat Venaissin, et part très jeune pour l’Italie, où il passe l’essentiel de sa vie, notamment à Florence, à Rome et à Venise. D’après certaines sources, sa présence est attestée à Rome dans les dernières années du pontificat de Léon X2 (1513-1531). Sa biographe Anne-Marie Bragard estime cependant que son séjour à Rome est postérieur aux années qu’il passe à Florence1 ; dans cette ville, il occupe la fonction de maître de chapelle, au baptistère Saint-Jean (1523-1525) et à la cathédrale Santa Maria del Fiore (1523-1527). Il semble avoir collaboré avec Nicolas Machiavel à la pièce La Mandragore, écrite en 1518, mais qui n’est jouée pour la première fois qu’en 1526 ; la représentation est dédiée au pape Clément VII. Avec Machiavel, il se range aux côtés de la République florentine contre les Médicis, mais son rôle politique n’est pas connu avec précision.

Il a pu être tué pendant le siège de Florence, en (1529-1530), à moins qu’il n’ait été victime de la peste qui ravage la ville à la même époque. Sa présence au cours du siège est attestée par les paroles d’un des motets qu’il compose à l’époque, Congregati sunt inimici nostri (« Nos ennemis sont rassemblés ») ; il y mêle des extraits du livre de l’Ecclésiastique et les paroles de l’antienne Da pacem Domine. Il n’est néanmoins pas impossible qu’il ait survécu au siège et à l’épidémie de peste, et se soit installé par la suite à Venise, ou de nombreux madrigaux dont il est l’auteur sont publiés à la fin des années 1530. Dans un texte de 1552, Ortenzo Landi fait référence à la mort de Verdelot.

Source : Wikipedia

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Giuseppe Verdi est un compositeur romantique italien, né le 10 octobre 1813 à Roncole et mort le 27 janvier 1901 à Milan. Son œuvre, composée essentiellement d’opéras, unissant le pouvoir mélodique à la profondeur psychologique et légendaire, est une des plus importantes de toute l’histoire du théâtre musical.

Verdi est l’un des compositeurs d’opéra italien les plus influents du XIXe siècle, influence comparable à celle de Bellini, Donizetti et Rossini mais dans la deuxième moitié du siècle. Ses œuvres sont fréquemment jouées dans les maisons d’opéra du monde entier et, dépassant les frontières du genre, certains de ses thèmes sont depuis longtemps inscrits dans la culture populaire comme « La donna è mobile » de Rigoletto, le « Brindisi » de La traviata, le chœur « Va, pensiero » de Nabucco, le « Coro di zingari » d’ Il trovatore ou la « Marche triomphale » d’Aida. Les opéras de Verdi dominent encore le répertoire de l’art lyrique un siècle et demi après leur création.

Visionnaire et engagé politiquement, il demeure, aux côtés de Garibaldi et Cavour, une figure emblématique du processus de réunification de la péninsule italienne, le Risorgimento.

Source Wikipédia

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Né en Transylvanie, entouré par les musiques traditionnelles d’Europe centrale, Zoltán Veres possède une première formation de violoniste par des disciples de Karl Flesch, David Oïstrakh.

Admis au C.N.S.M. de Paris en 1983 dans les classes des MM. Dévy Erlih, Alexis Galpérine ( violon ), Pierre Doukan ( violon solo ), Jean Lemaire ( harmonie ), Jean-Paul Holstein ( contrepoint ), il obtient un premier Prix de violon en 1986.

Suivi par l’étude de l’orchestration et de la direction d’orchestre avec János Kömives.
Professeur certifié à Châteauroux, puis à Bobigny, participant en tant que soliste à la création d’œuvres de Ionel Petroï et Yukari Sakuraï  pour France Musique, membre fondateur des Archets de l’Indre, de l’Académie Symphonique de Paris, d’Opus 95, de Sérénade Orchestra, toujours sur des postes de responsabilité.

Il arrive à Zoltán Veres de  « glisser  »  vers le jazz avec Pierre Blanchard, Jean-Louis Chautemps ou Max Roach, The Alto Summit…
Vers les musiques de film en compagnie de Michel Legrand, Ionel Petroï, Jean-Marie Sénia…Ou vers le cirque, en étroite collaboration avec Alexis Gruss.

En complément de l’enseignement du violon vient la charge de l’orchestre à cordes du Conservatoire, la composition et l’arrangement, largement à vocation pédagogique, dont des pièces sont souvent sélectionnées par la Confédération Musicale de France.

 

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Antonio Lucio Vivaldi, né le 4 mars 1678 à Venise et mort le 28 juillet 1741 à Vienne, était un violoniste et compositeur italien[1]. Vivaldi a été l’un des virtuoses du violon les plus admirés de son temps[2] ; il est également reconnu comme l’un des plus importants compositeurs de la période baroque, en tant que principal créateur de concertos de soliste, genre initié par Corelli.

Son influence, en Italie comme dans toute l’Europe, a été considérable, et peut se mesurer au fait que Bach a adapté et transcrit plus d’œuvres de Vivaldi que d’aucun autre musicien. Son activité s’est exercée dans les domaines de la musique instrumentale — particulièrement violonistique — et de la musique lyrique ; elle a donné lieu à la production d’un nombre considérable de concertos, sonates, opéras, pièces religieuses : il se targuait de pouvoir composer un concerto plus vite que le copiste ne pouvait le recopier[3].

Prêtre catholique, sa chevelure rousse le fit surnommer il Prete rosso (« Le Prêtre roux »), sobriquet peut-être plus connu à Venise, que son véritable nom[4]. Comme ce fut le cas pour de nombreux compositeurs du XVIIIe siècle, sa musique, de même que son nom, fut vite oubliée après sa mort. Elle ne devait retrouver un certain intérêt auprès des érudits qu’au XIXe siècle, à la faveur de la redécouverte de Jean-Sébastien Bach ; cependant sa véritable reconnaissance a eu lieu pendant la première moitié du XXe siècle, grâce aux travaux d’érudits ou musicologues tels Arnold Schering ou Alberto Gentili, à l’implication de musiciens tels Marc Pincherle, Olga Rudge, Angelo Ephrikian ou Alfredo Casella, à l’enthousiasme d’amateurs éclairés comme Ezra Pound.

Aujourd’hui, certaines de ses œuvres instrumentales, et notamment les quatre concertos connus sous le titre « Les Quatre Saisons » comptent parmi les plus populaires du répertoire classique.

(Source Wikipédia) http://fr.wikipedia.org/wiki/Antonio_Vivaldi

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Will Vodery (October 8, 1885 – November 18, 1951) was an African-American composer, conductor, orchestrator, and arranger, and one of the few black Americans of his time to make a name for himself as a composer on Broadway, working largely for Florenz Ziegfeld.

He had offices at the Gaiety Theatre office building in Times Square.[1]

While Vodery did compose the music for a show called From Dixie to Broadway (1924), he is most famous for the vocal and choral arrangements that he created for the original Broadway stage production of the classic musical Show Boat (1927). His arrangements for the show were used again in the London production of the show (1928), and the first revival on Broadway (1932), as well as in both the Universal Pictures film version (1936), and the prologue to the part-talkie 1929 film version (also by Universal) of Edna Ferber’s novel, on which the show is based. Vodery’s original arrangements were combined with new ones by Pembroke Davenport for the 1946 Broadway revival of Show Boat.

Vodery also created the vocal arrangements for several editions of the Ziegfeld Follies. He also orchestrated George Gershwin’s one-act opera Blue Monday. With Will Marion Cook, he wrote the show Swing Along (1929).

On 9 November 1929, the New York Age (« Activities of Union Musicians ») noted Vodery’s engagement by the Fox film studios in Los Angeles sometime in the preceding few months.

Vodery, however, is largely unknown today, partly because he received no screen credit in the 1936 film version of Show Boat, and partly because some modern productions of the show do not use his arrangements. He died on November 18, 1951, only four months after Metro-Goldwyn-Mayer’s 1951 Technicolor film version of Show Boat, on which he did not work, had been released.

Source : Wikipedia

Von Call

Leonhard von Call (19 March 1767 – 19 February 1815), sometimes referred to as « Leonhard de Call », was an Austrian composer and virtuoso on the mandolin and guitar.During his lifetime he focused less on performing and more upon teaching and writing music for others to play.A virtuoso, he wrote not for other virtuosos but for the people he was teaching or amateurs, and today it is felt by some musicians that his works « made no great technical demands ».

He was born in Eppan an der Weinstraße, South Tyrol.Although his village is in northern Italy today, it was part of the Tyrol in the Holy Roman Empire when he was growing up. Following World War I the area became part of Italy in 1919.

After participating in the War of the First Coalition, which ran 1792 to 1797, he was awarded the Order Pour le Mérite, and became a civil servant at the Imperial Kammerzahlamt (Imperial Chamber Payments Office).

At age 40, he married Maria Wilhelmina Brabee, who was 18 years his junior.They had five children. He died in Vienna.

In 2006, the music school in his hometown was named after him.

Career in music

Von Call had grown up studying music, practicing with mandolin, guitar and flute, and in 1801, he commenced a professional career in Vienna teaching mandolin and guitar. He wrote for these instruments during this time, and Germans appreciated the flowing melodies combined with simple execution. The success of these works led him to keep writing, mainly for mandolin, violin, flute and guitar, but he also wrote vocal compositions. Several of those were successful as well. His vocal works were given credit by music historian Philip J. Bone as contributing to the formation of Männer gesangvereine (male singing societies) in the early years of the 19th century. He continued to write, and amounted at least twenty collections of vocal compositions in the catalogs of the publishers. He seldom appeared as performer, but continued teaching, until his death in Vienna in 1815.

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Maria Theresia Von Paradis (ou von Paradies), née le 15 mai 1759 à Vienne et morte le 1er février 1824 dans la même ville, est une pianiste, chanteuse et compositrice autrichienne qui perdit la vue dans l’enfance et pour qui Mozart a vraisemblablement écrit son dix-huitième concerto pour piano, K456 en si bémol majeur…

Source : WIKIPEDIA

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